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أنشودة الأرض المفارقة

عندما تستمع إلى الفنان سامي بن عامر يتحدث بشوق المتصوفة عن بحثه عن الأرض التي أرادها أن تتجلى بتوهج، يخيل إليك أنها احتضنته ودارت به دورانا تصاعديا نحو مطلق وجد نفسه فيه صحبة ملائكة جعلها الخالق مبدأ خلقه. وقديما قال أخوان الصفاء "في طبائع العقلاء اشتياق إلى أحوال الملائكة والتشبه بهم". اشتاق سامي إلى مقام هذه الملائكة المسكونة بالروح الإلاهي والتي رغم أنها كذلك فقد رفضت حمل أمانة الخلق فحمل وزرها الإنسان محاكيا للقوة الطبيعية تشبها بها وتشبها بخالقها.

لقد أراد سامي أن يسمُوَ ويسمُو بهذه الأرض، اقرب الكائنات إلى "الطبيعة" التي طبعتها، شأنه شأن كل الفنانين الباحثين عن المعرفة عبر الإبداع والإبداء. فكان مُبدءا ومبدعا لعالم أو لنقل لعوالم صغيرة، فضاءاتٌ تحركت والتمعت بفضل الفكر/ العقل المخترق لها والمنغمس فيها، هذا الفكر الذي حمل الشكل وهذا الشكل الذي تخصب بالمادة/ اللون، فكان نسيجا مشبوكا أوقع المادة الممتدة في شراكه. تشكلت المادة لتكون رامزة دالة لا فقط للأرض وما عليها من موجودات عضوية ولمورفولوجيتها، بل أيضا لرمزيتها الشكلية التي تفعلت تشكيليا وتوهجت بتوهج نحو أبصارنا لتلتذ بها وتطرب. ونسينا توهج الأرض وتجليها ودخلنا هذا الكون الصغير الذي جعله الفنان أكوانا تتعدد فيه العناصر وتتنوع كما تنوعت كائنات الأرض وتعددت...أكوان لا ندري عند الحديث عنها هل نبدأ بإعلان أشكالها الأساسية مربعة ومستطيلة ودائرية أم نسعى إلى تجاوز هذه الأشكال لندخل عبرها حديثا إلى لعب الأنسجة التي تدعونا بإلحاح إلى عدم الاكتفاء بتأملها بل إلى لمسها وتحسسها لإدراك حسيتها، أم إننا نتجاوز الأنسجة لندرك تآلفها وتآلف هيئتها في مدارها حول مراكز اهتمام تارة أو سيرها وفق نسق مفردي تارة أخرى.. هيئات أنسجة تنتظم ضمن سنفونية، تحرك مسارات وقعها نغمات موسيقية، مسارات تتقاطع أفقيا وعموديا في حركة صاعدة/ نازلة أو هي دائرة دوارة تسعى إلى معانقة أهلة.

لقد أراد سامي لأشكاله الناتئة/ الغائرة بلطف أن تمثل وحدات مفردية في هيئات كلية وأراد لكل مفردة أن تختص بما يميزها في هيئات فردية وكأنه أراد أن يجد تناغما بين الذاتي والموضوعي في إطار هذه المفردات التي كونت بذاتها شبكات عوض أن تنتظم فيها. وكان توليده لهذه الشبكات منتجا لنسيج يشبه في نسجه نسج الخطاط لحروفه على جدار، بحفره تارة ونقشه تارة أخرى فكان "رقشا".

كان رقشا في أرض غير الأرض التي نعرف، أرض يتأرجح فهمنا لها ويترجرج، أرض تخيلها سامي مستخلصا لخواصها ككيمياء عضوية تتظهر في فيزياء بصرية. كيمياء وفيزياء لا تنتهي إلي العلوم البيولوجية بل إلى أركيولوجياء ذاكرتية وهندسة فكرية صوفية اخترقها برسمه ورشمه ألوانا نورانية وأنوارا لونية. ألوان/ أنوار تشعرنا بالدفء تارة وبالحرارة تارة أخرى. ينتابنا هذا الشعور إثر تجوالنا صحبة سامي وسيرنا معه في ثنايا هذه الألوان/ الأنوار... ثنايا تناسب في مسار الطيف القزحي إذ ننتقل معه من الأزرق إلى الزرقة ونتحول في بهاء نحو الأخضر المخضر حتى الأصفر المحمر ومن ثمة نلج في رحم بركان ناري سرعان ما تخمد حممه ليصبح رمادا يتلألأ بياضا/ سوادا.

ولا نملك بعد مشاهدتنا لأكوان سامي الأرضية إلا أن نتساءل التساؤل الجميل: من تجلى في هذه الأكوان هل هي الأرض بما هي أرض وبما يحمله لفضها واقعا كان أو مجازا، أم أن سامي هو الذي سما وتسمى مختلفا ليكون سمة تتجلى عبر خروج ما في قوته إلى الفعل، بتخيله هذه الأرض مغايرة ومفارقة لوجوده، ناشدا أنشودة منشودها.

الحبيب بيدة  

كاتلوق معرض جلال الارض 2007 رواق كاليستاي



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نحو خارج مستقبلي

 

إن كل معرفة بناء بالأساس. فمع مر السنين ما زلت اعتبر أن العمل الفني التقاء متجدد مع مادية نغير فيها كما تغير فينا بدورها، إيمانا بان كل بناء لا يمكن أن يتكوَّن خارج الضِّيق واختلال التوازن.

 

يسعى هذا المعرض إلى اختزال الزمن ليفصح عن مختلف محطات مسيرتي الفنية منذ انطلاقتها إلى اليوم، مما يمكننا من معاينة الوصل والفصل خلال مختلف حقباتها. من الصُّورة الضوئية المجمَّعة والتصويرية أو الكلاّج الضوئي (1987-1989) إلى الكلاّج التصويري (1990 – 1993) فالكلاّج المصطنع (1994) وصولا إلى رسومي الناتئة والمتضمِّنة لفضاءاتي الجنينية وتحت الأرضية والفيزيائية والمعدنية... (1995-2014)، أواصل اليوم الإبحار في عناصر الكون لمزيد الاستماع إلى سنفونيته، بالاعتماد على طاقة الحركة ولمعان الألوان و لا جسمية الفضاءات. أليس الكون كامنا فينا؟ أليست حركاتنا التي تحدث الطاقة وتهب الريح وتبث الحرارة، شاهدة على ذلك؟


Microcosme 13Acrylique sur carton 11x11cm 2015

 

 

من العضوي إلى غير العضوي، من الصلب إلى السائل، من المادي إلى اللامادي، من الطاقة المتراكمة وتحت الأرضية، إلى الحركة المتحررة والفضاءات الدينامية، من الداكن إلى المضيء، من المعتم إلى الشفاف، من المتراكم إلى الضبابي، من الانطوائية إلى الانفتاح على الخارج، من العالم الكبير إلى العالم المصغر، هكذا تندفع رسوماتي إلى خارجٍ مستقبلي وحركي نجد فيه الهواء والريح والشرايين والضوء، لتجعل منه عالما منبثقا يواصل سبر غموض الحياة، ليساير في الآن نفسه زمني الحاضر ويتفاعل مع المعيش.

 

 

تتغير أعمالنا الفنية على مر الزمان، تتعدد أشكالها وتتكامل، لتبني بذلك على طول الطريق أفكارنا، انطلاقا من حالاتنا الطارئة، ومن شكوكنا ... كل أعمالنا الفنية مختلفة، إلا أنها  أساس واحدة.

 

 

شكري الجزيل لكل من صاحبني في ترحالي الفني، سواء بالكلمة الناقدة أو بأي تفاعل كان.

 

 

سامي بن عامر

 

 

 

 

 


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Vers un extérieur futuriste

Toute connaissance est essentiellement une construction. Après des années, je continue à  considérer l'œuvre, comme une rencontre toujours renouvelée avec une matérialité que nous transformons et qui nous transforme à  son tour, convaincu que toute construction ne peut se constituer en dehors de l'inconfort et du déséquilibre.

Tension Acrylique sur carton 30 x 30 cm
Cette exposition se veut être une synthèse du temps, tendant à révéler mon parcours artistique à travers ses différentes étapes, d’hier et d’aujourd’hui, afin de constater ses continuités et ses ruptures. Du photogramme, support et forme picturale ou collage optique (1987 –1989), aux collages peintures" (1990 – 1993), vers les collages simulés  (1994), jusqu’à mes peintures reliefs  incluant mes espaces fœtaux,  souterrains, physiques, minéraux, célestes… (1995 – 2014) je continue dans mes œuvres d’aujourd’hui à naviguer dans le cosmos  pour mieux écouter sa symphonie, en me fiant davantage à l’énergie du geste, à la luminosité de mes couleurs  et à l’immatérialité de mes espaces. Le cosmos n’est il pas en nous? Nos gestes dégageant l’énergie, soufflant le vent et diffusant la chaleur, n’en sont-ils pas les témoins ?

Lumineux Acrylique sur carton 30 x 30 cm
De l’organique à l’inorganique, du solide au fluide, du matériel à l’immatériel, d’une énergie accumulée et souterraine aux gestes libérés et aux espaces dynamiques, du sombre au lumineux, de l’opaque au transparent, de l’accumulé au vaporeux, de l’introverti à l’extraverti, du macrocosme au microcosme, ma peinture s’ouvre aujourd’hui sur un extérieur futuriste et dynamique. On y trouve de l’air, du vent, des veines et de la lumière en faisant un monde émergent, s’attelant à sonder l’ambigüité de la vie, tout en s’accommodant à mon temps actuel et réagissant constamment au vécu.
Au fil du temps, nos œuvres se transforment, se multiplient et se complètent, pour construire chemin faisant nos réflexions, à partir de nos péripéties, de nos doutes... L’Œuvre désignant l’ensemble des ouvrages réalisés par l’artiste est pluriel, mais il est fondamentalement singulier.
Mes remerciements s’adressent à tous ceux qui m’ont accompagné dans mon périple artistique, soit à travers leur écriture critique ou toute autre forme de complicité.
Sami Ben Ameur


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Et pourtant elle tourne encore … Cils et sourcils…
Texte de Habib Ben Salha

Seuil à tous égards intime:
Une source illumine une grenade… L’ombre est-elle plus nette ? Le rouge est diffus, le jaune demeure pour le moment dans l’ombre ; la baie ronde, à saveur aigrelette cache des cercles entourés d’une pulpe rouge ; grise, prise, reprise  la fleur se réveille translucide et ce n’est pas de sa faute !
Seuil invisible :
Les éléments se touchent, s’unissent, se divisent, se retrouvent de nouveau, s’offrent au blanc, enfantent des plans superposés, conjuguent les frissons supplémentaires ; les zones hachurées refusent la combinaison...Que fait- on pour chasser l’humeur fondamentale du corps ? Inventer le noir enseveli.
Seuils :
Sur la possibilité  d’aimer se fonde l’aimance … Il n’est d’encre que  phosphorescente…Mensonge bien minuiste

Microcosme 5 Acrylique sur carton 11 x 11 cm2015

Premier voyage :
Inonde, ô couleur ma naissance, mes babillages, ma petite fenêtre, ma franchise…La main qui a tracé retrace, s’entend, s’écrit, se regarde, se lit dans le même geste. C’est signe à signe, ligne contre ligne, tout contre, espace sur espace que le (عا) ouvrant le nom de l’artiste accueille le fil du prénom ; ça a mis combien de temps ? Selon une photographie archaïque, ce phonème est l’indice de l’œil ; cela donne une forme majeure au corps du voyant. Tel  mouvement (remplir, superposer, effacer,  s’accommoder, s’introvertir, apparaître, désemplir, creuser, disparaître) permet enfin une sorte de libération de l’entretien tête à tête. C’est une sorte d’attaque plastique, musicale, hallucinatoire et de reprise rêvée…Il s’agit d ‘une substitution, distribution, aux marges de l’indicible : des débris d’éternité, des os bleus, un scintillement par-ci, l’au-delà du désir par-là, un vert comme verdure, une amplitude irréductible, une intrusion féminine, un masculin blanc  avec un noir nu, une densité entre  le bleu  fossile, le rouge qui titube, le jaune voyou et bien d’autres indices à la fois…Le ( عا ) lancine, se transforme, habite l’aplat : personne ne reçoit quoi que ce soit qui ne viendrait pas de lui-même ! (  مر )  le verbe se cherche dans le corps amer, l’artiste maintenant doseur se trouve scellé à la génération, à l’entremêlement, au feuillage, au don par le nom…
Deuxième adversaire :
Le point en colère se tourne vers le cercle et se met à vivre le cycle de ses mutations. La succession d’aventures et d’éclats annonce la progression rarement régressive. Le géologue ou l’astrologue ou l’arpenteur ou le paléontologue ou le chimiste laisse venir le murmure évolutif des strates en formation permanente. Le nom porté par le geste de haute musique vit, vogue, mais ne rompt jamais les traces de ses gravitations. Il n’est point collage dans la lumière du jour, ni  écriture saignante, ni larmes de  terre mouillée. Que serait-il alors ? _ Foyer d’éclairs, force tactile…

Microcosme 10 Acrylique sur carton 11 x 11 cm2015

Troisième station :
Le promeneur fait jouer les différences au lieu de nous enchanter une fois pour toutes ; il visite le vivier des signes sensibles, produit des variations au lieu  d’habiter définitivement la dimension ; il apporte des matériaux assurant le renouvellement de l’évasion ; il  brasse rythmes, couleurs nouvelles, nous montre un réservoir de comparaisons, fournit la démesure du réel, étalonne les processus et laisse revenir l’hésitation. Tant il est vrai que, à tort ou à raison, toute ressemblance est une illusion : porte du lisse, avant-limite de la craquelure…Pourquoi donc la nuit déchire-t-elle sa sculpture, le jour brûle-t-il ses dernières certitudes, le matin assassine -t- il ? La terre se couvre de tons bruits bruns, de douleurs indigo ; l’envie s’ouvre aux lèvres cramoisies. Un matin printanier ne meurt jamais…
Quatrième adversaire :
C’est l’ébullition de la matière. Je porte mes rumeurs et mes humeurs, plie et replie ma dernière colère, rumine ses ampleurs et tisse quelques instants de teintes inédites. Je produis une nouvelle caresse, mélange le rugueux et le doux, provoque un divorce transitoire de l’acrylique et de la colle ; c’est grave mais cela ne donne aucune gravure ; je capte la parole silencieuse, tord le coup de l’étendue, invite les astres, boit les nuages, respire le vaporeux, tente une autre fugue, évite la béance... Belle illusion ! L’argile palimpsestueuse refuse de s’inscrire dans le figement.
Sortie honorable, disons conclusion provisoire :
L’invisible promet de reprendre la parole, l’inconnu désire se montrer, le désordre  vibre… C’est peut-être l’encre à l affût de la blancheur entêtée, un brouillon extime… Entends la chute du rouge, l’ocre semble pour le moment dans l’attente ;  tout à l’heure un cliquetis lui donnera des ailes. Je t’assure que l’odeur de femme née de formes fines ne laissera jamais seule la belle blessure au flanc de l’infini …
Habib Ben Salha


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A propos de l’exposition «Transe de lumière, tranches de couleurs?» (Galerie Chiyem. 1990)

A propos de l’exposition«trance de lumière, tranches de couleurs?» (Galerie Chiyem. 1990) 

…Mais croyez-moi, tout vit, tremble et agit. Approchez-vous et vous entendez les sons des couleurs, vous sentirez le parfum de leur respiration?; touchez l’horizon, il titube... 

Habib Salha  (Le Temps – Samedi 1er – 12 – 90) 

 ...Redécouverte d’une  découverte, Sami Ben Ameur a plus d’un tour dans sa palette qui traine dans tous les coins et recoins de la mémoire visuelle. S’il tire ses papiers à la demande des critiques, on peut y lire?: Sami Ben Ameur, peintre, si vous n’en abordez qu’un seul par décennie après Néjib Belkhja et Nja Mahdaoui, ce devrait être celui-là. Et je le dis comme je le pense, sans aucune illusion, pour le plaisir et pour l’honneur. 

 Amor Guisani (Le Renouveau– Jeudi 6 décembre 1990– Page 14) 

 ...Des espoirs, certes, Sami Ben Ameur, y a droit. Car il  y a l’audace du pionnier et la maitrise du virtuose. Sa démarche qu’il qualifie d’expérimentale a surpris. Il n’en restera pas là. «? Cette technique n’est qu’un essai, une simple expérience dans l’expression, se plait-il à préciser. Il en existe d’autre, car rien dans la vie, n’est totalement figé. A nous de découvrir. A nous de créer?» 

Latifa Zouheir ( Le Temps - Lundi 10 – 12 – 90) 

 

...En présence des œuvres de Sami Ben Ameur, nulle ambigüité et nul formalisme d’aucune sorte. On entre de plein pied dans son univers par le truchement des formes mystérieuses et des couleurs frémissantes. 

Tout l’art vient de là et le déclic – comme après une belle musique une symphonie envoutante – fait que, à notre tour, nous avons envie de peindre, de dessiner et de faire chanter les couleurs de la vie. 

Parlez donc d’éloge de la peinture abstraite, c’est se guérir en même temps des sentiers battus de la peinture, du moins telle que celle pratiquée encore à Tunis. 

Bady Ben Naceur ( La Presse lundi 10 décembre 1990)


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Sami Ben Ameur : Terre, je vous aime !

Après Dubaï, Londres (2007) et la Libye, le Caire- et encore une fois- Londres (2008), l’artiste peintre Sami Ben Ameur expose au Violon bleu de Sidi Bou Saïd sa "Terre originelle". Une ronde dans tous ses états? 

"Terre originelle" (nom de l’exposition) a été officiellement inaugurée le 10 mai courant. La veille, en fin d’après- midi, le peintre avait organisé un pré-vernissage. C’était l’occasion de rencontrer des journalistes de la place pour leur expliquer sa démarche dans sa "Terre originelle" qui se prolongera jusqu’à la fin du mois. Pour ces récents travaux,? la foule d’amoureux d’art abstrait est venue dimanche matin en grand nombre. Il était impossible de trouver une seule place au parking municipal de ce village mythique perché avec majesté sur les hauteurs. Car, ici, il s’agit bien d’un art vrai et on est loin des croûtes qu’on voit placardées un peu partout dans la cité. Il faut dire aussi que ce jour-là, à même pas un jet de pierre, il y a eu une autre exposition d’une autre haute facture. C’est Feryel Lakhdhar qui expose une tribu de ses femmes bouboules et gracieuses à la fois. Des? peintures et installations, de taille XXXL et plus, peuplent avec enthousiasme la galerie Ammar Farhat que dirige Aïcha Gorgi (fille du défunt Abdelaziz Gorgi). Des dames parées de toutes sortes de tissus, de toutes les couleurs et autres accessoires à volonté.? 
Pour revenir au Violon bleu, le peintre et universitaire (il est aussi directeur de l’Institut des Beaux-Arts de Tunis depuis le 14 juillet 2008), s’est encore accroché à sa terre de toujours. "Il s’agit d’une continuité de l’exposition de 2007 à Kalysté de la Soukra. J’ai creusé davantage dans le tréfonds de la terre? et déterré des fragments et des idées", raconte le peintre.?? 
Au total : une vingtaine de tableaux- tous formats-, dont une majorité est faite avec des techniques mixtes. Tantôt sur du bois, tantôt sur des toiles et le relief est roi. A l’entrée de la galerie, deux tableaux mettent les visiteurs sur un chapitre de notre mémoire picturale. Il s’agit d’un hommage vibrant aux peintres amis qui ne sont plus de ce monde. 

 

Une gerbe de pensées? 
L’immense tableau accroché à droite murmure des échos lointains. Il rappelle les portes de feu Nejib Belkhodja. Celui de la gauche est un grand carré. C’est un clin d’?il au peintre de Hammamet. "J’ai repris les motifs de feu Abderrazak Sahli et travaillé sur des couleurs grises tout en gardant ma propre matière. Comme vous le savez, son exposition, qui a eu lieu ici même au Violon bleu, a précédé la mienne de quelques semaines?", ajoute t-il sur un ton de regret. Sinon, Sami Ben Ameur, qui vient de décrocher le Grand Prix de la Ville de Tunis lors de l’exposition annuelle de l’Union des Artistes plasticiens de Tunis (UAPT) 2009, a de quoi être heureux ces derniers jours. Ses 18 autres peintures accrochées sur les cimaises du Violon Bleu sont vues (et lues) autrement. L’homme parle toujours de son retour permanent à la terre. A son argile et ses multiples composantes. C’est cette terre en colère. Très en colère et qui frémit. Mais derrière les fossiles et débris, l’encre noire et pessimiste de son environnement et de son devenir ocre, quelques lueurs de verts, de bleus? Mais aussi des jaunes et des brillants qui refusent les menaces. Puis, une musicalité envoûtante qui jaillit et une raie d’espoir qui se dégage. "De tout temps, l’homme a ressenti le besoin d’identifier cette terre qui lui appartient, d’appréhender ses composantes perceptibles, de voir en elle ce par quoi s’exprime l’être intérieur", pense l’exposant. Quant à Imed Jemaiel, il voit dans les Ben Ameur autre chose, la poésie et l’esprit. "Sous couvert d’un innocent sourire ou d’un coquet parfum, on convoite pernicieusement l’administration de nos neurones et de nos désirs. Ici, on réduit l’?il à une boite de messagerie, l’esprit est désormais formaté à son aune, il sacrifie ses fonctions critiques et imaginatives. Vassalisé, il se fossilise. L’esprit menacé, l’art sort ses griffes?", philosophe le critique. Et il est dans le sillage de Flaubert. Ce dernier disait : "Je suis un ?il". Mais pour Ben Ameur, il est cet ?il, cette voix et cette écoute à la Terre. Il est tout à la fois, rien que pour sa "Terre originelle". Sa terre d’asile et de refuge. 

 

Zohra ABID

 


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Rencontre avec Sami Ben Ameur L’enseignant, le plasticien, le critique

 Sami Ben Ameur est enseignant à l’Ecole des beaux-arts de Tunis, mais il préfère se définir en tant qu’artiste peintre. Il expose une œuvre au Violon bleu dans le cadre d’une exposition collective de grand format intitulée «Feu et lumière» et une autre portant le titre «Violence bestiale» dans le cadre de la 4e biennale de la ville de Tunis.? 
Par ailleurs, il anime sur les ondes de la Radio culturelle une émission sur les arts plastiques, «Haddatha al lawnou qal», et «Majaliss al founoun», un club au centre culturel de la ville de Tunis où l’invité, vendredi dernier, était Mustapha Chelbi qui vient de publier un album sur les arts plastiques en Tunisie. A cette séance, on a invité le président de l’Union des artistes plasticiens, Mongi Maâtoug, vu l’enjeu que constitue cet album sur l’art en Tunisie et son aspect critique. 
Nous l’avons rencontré pour débattre de toutes ces questions cruciales. Interview. 
 
Pensez-vous que votre qualité d’enseignant à l’Ecole des beaux-arts ait un effet sur votre activité de peintre? 
J’ai choisi d’être dans le domaine des arts plastiques depuis mon jeune âge. Je suis professeur, mais aussi artiste peintre. Quand j’enseigne, j’apprends en apprenant à mes étudiants le fruit de mes recherches. Je prends plaisir à faire ce travail pédagogique enivrant qui fait appel non seulement à un savoir-savant, mais aussi à une approche que je nommerais de forme, de manière, de création et donc artistique. 
En tant que chercheur qui a produit des écrits journalistiques, je me considère également, si l’on veut, comme critique. 
Mais il va de soi qu’étant multiple, je ne cesse d’être un et quand je peins, c’est le professeur, le critique, le peintre avec toutes les strates de ma personnalité, de mon historicité, de mes fantasmes, de mes illusions, de mes rêves et de ma vision du monde qui s’expriment. Il faut faire la part des choses et quand je suis devant la toile blanche, l’angoisse que j’éprouve est humaine et pour reprendre un philosophe, je dirais que tout ce qui est humain, (entendez artiste), n’est pas étranger. Maintenant, je me consacre à ma peinture et je prépare une exposition pour la rentrée culturelle 2006-2007. 
 
A propos, vous exposez une toile de grand format à la galerie le Violon Bleu intitulée «Feu et lumière». Cette œuvre a été vendue. Sachant que l’autorité de tutelle est l’acquéreur le plus crédible, que pensez-vous de cette reconnaissance qui vient du public? 
Une œuvre d’art est un acte solitaire. Quand l’artiste est face à sa toile, tout son être est concentré sur l’extériorisation de ce qui le hante et l’obsède. Mais quand il expose son œuvre, quand il la livre au public, il est envahi par le doute, par l’angoisse de la réception de son œuvre auprès du grand public. Là, la reconnaissance est déterminante. S’il est bien reçu, il est sécurisé, rassuré et motivé. Il peut continuer avec toute l’assurance requise qui lui donne des ailes. Le ministère de la Culture et de la Sauvegarde du patrimoine joue un rôle vital dans l’épanouissement des arts en Tunisie. Sa reconnaissance, traduite par l’acquisition d’une œuvre, est donc très importante. Mais quand l’acquéreur est un privé, cela constitue un plus et une motivation supplémentaire qui ne peuvent que renforcer l’attachement de l’artiste à son art. Face à l’œuvre, l’artiste fait fi du monde extérieur, mais l’œuvre accrochée aux cimaises d’une galerie est un médium qui fait que l’artiste cherche de tous ses vœux le partage. Partage de l’œuvre-production et de l’œuvre-réception et impact sur le spectateur potentiel. Je suis fier de toutes les œuvres acquises tant par l’Etat que par les privés. C’est un patrimoine qui me sert de plateforme d’échange et de dialogue avec le public. Je compose et je partage mes émotions avec ce background. 
 
Vous exposez une autre œuvre dans le cadre de la 4e biennale méditerranéenne intitulée «Violence bestiale». Que diriez-vous si je vous demandais d’en faire une lecture, vous transformant à l’occasion en critique? 
L’œuvre intitulée «Violence bestiale» met en scène des formes farouches focalisées en une congrégation quasi astrale, traduisant une scène lugubre sombrant dans une profondeur abyssale ignée où des jeux d’ombres et de lumières suggèrent la présence de forces occultes. Panique et débandade d’une focalisation-suggestion, formelle, planant au-dessous d’un trou noir sans fond, et invitant, à force de taches, de lignes brisées et agressives, à un voyage vers ce pays d’où l’on viendrait, et qui nous connaît et que nous désirons de tout notre instinct de vie et de plaisir. Mais qui nous angoisse malgré tout, car il flambe neuf de non-conformisme et d’innovations enivrantes et déconcertantes. 
 
La surface de la toile, en all over, baigne dans une atmosphère calcinée, cendreuse et tragique. Rien n’est clair, rien n’est donné ipso facto. Serait-il une des configurations du tragique multiplié et propagé en notre for intérieur? 
Serait-ce cet appel venu d’un ailleurs étrange, mais guère étranger, interpelant l’invisible par le médium du visible, de l’afocal par le truchement du focal livré tout de go? 
Mystère et psychose atmosphérique où on redoute un futur à la fois menaçant, imminent et mystérieux sur fond d’inquiétude angoissée illustrée par l’air du temps, cette violence bestiale d’un monde trépidant qui met l’Homme face à son inquiétude existentielle. 
 
Mustapha Chelbi vient de mettre sur le marché un album retraçant l’itinéraire des arts plastiques en Tunisie. Dans le cadre de “Majaless El Founoun” au centre culturel de la ville de Tunis que vous animez, vous avez présenté ce travail. Cela en valait-il la peine ? 
Tout travail d’archivage et de mémoire des arts plastiques en Tunisie ne peut qu’être positif. L’album de Mustapha Chelbi s’inscrit dans cette perspective. Toujours est-il que nous devons assumer notre responsabilité de critique objective de ce travail avec l’idée que chaque personne est libre de produire l’œuvre qu’elle veut et qu’elle peut. 
Dans cet album, il y a des lacunes que nous devons montrer du doigt, dans une perspective constructive: 
— Mustapha Chelbi n’a pas réussi cette équation difficile entre le désir d’assurer à son album une efficience financière et une valeur scientifique certaine. 
— Aucune œuvre ne porte de titre car le titre est l’identité de l’œuvre. Souriau disait «l’œuvre est une personne». 
— Les dimensions des œuvres ne sont pas citées 
— L’album réservé aux arts plastiques tunisiens intègre, gauchement, des artistes français. Ce qui fausse l’identité du projet en soi. Les crirères de sélection des œuvres ne sont pas nets car on opte pour des œuvres et des artistes de valeurs fort différentes. Le gain matériel ne peut, en aucune manière, servir de critère de choix pour une œuvre qui sert d’archive de l’art en Tunisie. 
Nous croyons fermement que Mustapha Chelbi prendra ces critiques en considération pour la 2e édition de son album, surtout qu’il a reconnu qu’il voulait corriger le tir en se référant à l’Union pour plus d’objectivité et de rigueur. 
Nous l’invitons également à faire appel à d’autres spécialistes et critiques des arts plastiques pour fignoler son travail et réussir à doter la Tunisie d’un document viable susceptible de servir de référence. 
Sami Ben Ameur, vous animez une émission d’arts plastiques à la radio culturelle qui vient de démarrer. 
Cette radio répond à une attente et nous sommes reconnaissants à Son Excellence le Président de la République d’avoir donné à la culture et aux hommes de la culture cette occasion inespérée susceptible d’ouvrir les horizons des débats autour de la culture, soutien du renouveau comme l’a affirmé le Président en personne. 
J’ai été honoré par cette sollicitation de la part des responsables de cette radio pour animer une émission sur les beaux-arts intitulée: «Haddatha al lawnou qal».? 
Avec M. Ahmed Laâdhiri, nous nous sommes mis d’accord pour que l’émission se déroule en deux volets: un volet où on déploie des concepts relatifs aux arts dans une perspective de sensibilisation et de vulgarisation, vu que les arts plastiques sont des arts élitistes. Et un deuxième volet intitulé : Rencontres, où on invite un artiste, un critique, un historien de l’art ou un chercheur pour débattre de problématiques artistiques à l’occasion d’une manifestation artistique majeure, d’une exposition, d’un livre publié, voire d’un article pertinent ou encore d’un travail de recherche académique fort instructif. 
 
Dans cette émission, j’ambitionne de mettre au service des arts, les fruits de mon parcours d’enseignant, d’artiste, de critique et de président de l’Union des artistes plasticiens.? 
 
La Presse

 


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Sami Ben Ameur expose à la Soukra : L’hymne du cosmos

 Cela fait un bon bout de temps que l’on n’a pas vu Sami Ben Ameur exposer ses œuvres.? 

Au vu de sa dernière expo, qui se prolonge jusqu’au 30 avril, on a fini par comprendre que cette hibernation n’était pas motivée par les multiples activités de l’artiste. 
 
Ancien président de l’Union des Artistes Plasticiens Tunisiens, maître de conférences à l’Institut des Beaux-Arts, auteur d’ouvrages spécialisés et de plusieurs articles scientifiques, producteur d’une émission spécialisée en arts plastiques sur les ondes de la Radio Tunis-Culture, on ne peut dire que l’emploi du temps de Sami Ben Ameur n’est pas chargé. Mais l’art qui est en lui semble plus fort que les lois du temps et il se devait de gratifier son public d’une expo après quelques années d’éclipse. Et au vu du grand nombre de personnes présentes au vernissage de son expo, vendredi dernier, dans une galerie de la Soukra, on peut se hasarder à conclure que ce public était « assoiffé ». Ils semblaient attendre cette expo comme les fans de James Bond attendent un nouveau 007 ou les cinéphiles attendent un nouvel Almodovar. Le rendez-vous est donné et tout le monde est passé voir cet « hymne du cosmos » proposé par l’artiste-peintre. On comprend mieux l’éclipse. La vedette du jour n’était pas occupée uniquement par son quotidien, ses émissions, ses étudiants et ses écrits. Il était dans l’espace en train de peindre le cosmos ! Il naviguait dans l’atmosphère pour écouter la symphonie du cosmos et la mélodie de la vie universelle. Il a également voyagé sur la surface solide de la terre pour ressentir ses étendues indéterminées et ses manifestations lumineuses sereines. Il est même rentré sous terre où il a découvert un monde mystérieux, inanimé, physique et minéral. C’est lui qui le dit et nous ne pourrions contredire ce nouveau cosmonaute et géologue. Le résultat de ses voyages, nous le découvrirons dans cette expo où l’acrylique se colle à la terre et aux éléments minéraux. « En peintre matiériste, il arrive à produire des sensations quasi-tactiles de minéral et d’éléments fossilisés avec des impressions de patine et de craquelures rehaussées par l’alternance du rugueux et du lisse », dira Mme Rachida Triki. 
 
En fait, on découvrira dans des œuvres d’arts plastiques ces mêmes craquelures qu’on pourrait trouver sur des terrains rugueux et sur ce que l’on croit deviner sur la surface de la lune ou de mars. Avec, en toile de fond, une obscurité, voire une noirceur qu’on retrouve chaque fois qu’on regarde dans le ciel par une belle nuit étoilée. Les tableaux de Ben Ameur sont ainsi : noirs comme le ciel avec des touches ici et là, faisant de lui l’une des meilleures œuvres de la nature. A la différence que Ben Ameur a donné des formes à ce cosmos et nous a permis de le toucher et de le palper pour mieux le sentir.? 
 
Réalités 


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L'hymne au cosmos

Les œuvres de Sami Ben Ameur sont un hymne à la variété et à la beauté du cosmos, avec un attachement tout particulier au globe terrestre. Il nous l'offre dans toute son amplitude en suggérant à la fois l'immensité des espaces et les microcosmes qui les composent.  

En peintre matiériste, il arrive à produire des sensations quasi-tactiles de minéral et d'éléments fossilisés avec des impressions de patine et de craquelures rehaussées par l'alternance du rugueux et du lisse. Dans un subtil mariage d'acrylique, de terre, de colle et d'éléments minéraux, l'artiste transcende la peinture pour la pousser à des effets inédits de peinto-céramique, de peinto-sculpture  et même de gravure. Il en multiplie les apparitions, à chaque fois différentes, mais dans une sorte de constance à soi, propre à sa passion pour la vie organique de l'univers. De ce dernier, rien ne lui est indifférent. Il tente d'en capter la structure, les béances, les étendues, les concrétions et l'immatérialité. C'est pourquoi ses tableaux ne sont pas simplement comme des strates de la genèse géo-morphique, ils rendent sensible l'énergie d'un monde inchoatif où s'exprime la vie des formes avec des tons bruns, indigos ou cramoisis. 

Dans les grands formats carrés ou arrondis comme pour intensifier la sensation cosmique, les incandescences, les gestations et les cristallisations finissent par confondre sensoriellement, par leur proximité, notre réel et notre imaginaire. C'est peut-être parce que notre mémoire de l'élément fondamental organique y est soudainement convoquée. Le minéral et l'aérien où baigne notre vision nous rappelle esthétiquement à cette co-substantialité d'avec la terre, les astres et tout l'univers. 

La séduction opérée par les peintures de Sami Ben Ameur est aussi celle du mystère infini de la nature où nous évoluons. La dernière série de peinture, de plus petite dimension, intitulée "Altitude" se présente au regard comme une série d'ouvertures sur l'atmosphère. Nous y respirons la légèreté de l'aérien, la vivacité de la lumière et la douceur du vaporeux, grâce aux effets de transparence des couleurs et à la souplesse du dessin, dans ses lignes nomades. Nous y sommes plus proches de l'immatériel, dans un espace lisse à la proximité d'estampes japonaises ou de lithographies. 

Si on ne peut rester insensible à n'importe quelle de ces œuvres qui sont pourtant de l'ordre de l'abstraction, c'est certainement parce que leur matériau est chargé d'un affect qui passe directement dans notre réception. Il dit la passion co-naturelle que le peintre a pour notre terre et notre univers. 

Rachida Triki 


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Printemps des Arts Fair Tunis 2012 : Le revers de la médaille .

Texte Sami Ben Ameur. la presse du 4 juillet 2012

Dans un texte intitulé Editorial et figurant dans le catalogue de l’exposition artistique Printemps des Arts Fair Tunis , du 01-06-au 10-06-2012, Monsieur  Paolo Perrelli, Directeur artistique de cette exposition écrit :

« …La Tunisieest actuellement un réel laboratoire culturel. La mission du Printemps des arts Fair Tunis sera principalement d’orienter les projecteurs sur cette réalité artistique en pleine effervescence et ainsi donner une visibilité aux artistes tunisiens, tant au niveau national qu’à l’étranger.

Mais ce qui nous importe le plus, c’est de mettre « l’œuvre » au centre de l’intérêt et lui donner l’occasion d’occuper un espace qui a été longtemps vacant…ajoutant une forme, une émotion, un doute et une auto-détermination qui n’étaient pas là avant …»

 

Nous ne pouvons que nous réjouir face à  ces bonnes intensions voulant  rendre visible nos artistes tunisiens dans leur environnement tant au niveau national qu’international. Toutes fois, quelques propos figurant dans ce texte nous ont interpellé et nous ont imposé les questions suivantes : est-il possible d’affirmer qu’en Tunisie l’espace de l’œuvre  est depuis  longtemps vacant ? S’agit-il d’admettre que l’œuvre plastique et en dépit des problèmes quelle a rencontré et continue de le faire, a été absente de nos espaces culturels et  de notre réalité quotidienne ?

Quelle baguette magique M. P. Perrelly peut-il avoir, lui permettant de mettre au centre de l’intérêt et dans une première, une œuvre déjà supposée absente de la scène culturelle dans cette nouvelle édition de l’exposition printemps des arts, ? Qu’elle forme n’existant pas avant, qu’elle émotion, quel doute et qu’elle auto-détermination, va-t-il pouvoir ajouter pour atteindre son objectif ?

 

Propos discriminatoires et exclusifs

De tels propos figurant dans le texte éditorial et traçant la politique de la direction artistique de cette manifestation ne peuvent être que discriminatoires et exclusifs. Monsieur Paolo Perelli semble sou estimer tout le parcours des arts plastiques moderne en Tunisie dont l’effervescence ne date point exclusivement d’aujourd’hui mais plutôt depuis bien longtemps. Un art qui est le  résultat d’un parcours de générations d’artistes,  si actifs si originaux, si enracinés et si ouverts. Y a –t-il art dans un pays donnée, en dehors d’une construction et d’accumulation d’expériences s’effectuant dans le temps et dans l’espace? Non.

 

Les fondements de ces propos

Pour quelles raisons de tels propos ? quel sont leurs fondements ? Quelle est la nature de cette « œuvre » désignée par  l’auteur et qui est sensée annoncer la naissance des arts plastiques en Tunisie ?

Dans le même texte, l’auteur ajoute plus loin, que cette expo s’intègre dans le cadre d’un projet stratégique visant à  créer une plate-forme et un repère pour l’art contemporain en Afrique du nord. Nous comprenons désormais que cet éditorial   est une annonce de l’arrivé d’un art contemporain porteur d’un genre esthétique déjà défini et voulant se substituer à l’actuel production artistique aussi bien en Tunisie que dans tout le Maghreb. L’exposition artistique Printemps des Arts Fair Tunis 2012 est la première étape.

 

 Sommes –nous  alors face à un art international, véritable traduction d’une mondialisation  culturelle? Un art fondamentalement conceptuel et souvent éphémère, naissant des grandes ruptures des années 60 et 70 survenues aux états unis et en Europe, et devenant aujourd’hui référence aux valeurs artistiques mises en valeur par les foires et les grandes manifestations internationales essentiellement américaines, qui jouent, comme précise Alain Quemin sociologue français, « un rôle de qualification des artistes. Elles font le point et donnent le ton, contribuant ainsi à la standardisation des choix, tant des professionnels de l’art que des collectionneurs » ? Ainsi, les artistes fascinés par cet art international, risquent ils de se donner à un art d’imitation voire même de singerie, pour être dans les rouages de l’avant-garde ?

 

L’art contemporain est une appellation usurpatrice et dénué de sens

L’art contemporain en se définissant comme genre esthétique et en s’emparant injustement de la contemporanéité, révèle son caractère hégémonique. A ce propos Fabrice Thuriot écrit: « Or, si l’on admet que la notion d’art intègre forcément et cumulativement celles d’esthétique et de réflexion sur son environnement et sur le monde, et si contemporain veut bien dire actuel, vivant, de son temps, alors on perçoit l’imposture de l’appropriation de la locution « art contemporain » par l’art conceptuel essentiellement. En arts plastiques tous les genres coexistent, ce qui empêcherait normalement de qualifier de contemporain l’un plus que l’autre, sauf par usurpation comme tel est le cas actuellement »

Déjà en 1999 et dans le catalogue raisonné du Salon des Indépendants, le président du Salon, Jean Monneret, s’est opposé également  à cette nomenclature:

« L'art contemporain ? Tous les artistes vivants font partie de l'art contemporain. Ce sont les artistes qui font l'art. Tous les artistes. Librement ! Or, l'État veut faire croire au public qu'il n'y a qu'un art digne d'intérêt, l'art dit « contemporain », c'est-à-dire l'art d'État. » Comme si l'installation, la performance ou l'art inculte – pour peu que la légende qui l'accompagne relève de la logorrhée – soient, à eux seuls, la suite historique, linéaire, indiscutable de la tradition artistique …»

Il en est de même pour le grand artiste contemporain Daniel Buren qui en septembre 2011,  et dans la revue L'Œil  n’a pas hésité à confirmer  l'incapacité, la confusion et la faillite de l'expression « art contemporain » :

"Contemporain" est un terme complètement dénué de sens, mais c'est l'une des trouvailles les plus performantes jamais trouvées afin d'annihiler dans l'œuf tout ce qu'un artiste pourrait présenter d'un tant soit peu neuf et dérangeant […] »

 

L’art contemporain ne peut être qu’au pluriel

L’adjectif "contemporain" ne qualifie-t-il pas plutôt ce qui existe ou a existé simultanément, et surtout, ce qui a son origine à la même époque ? Ainsi  l’art contemporain ne peut être considéré qu’au pluriel. Il est toutes les nouvelles démarches artistiques, confession d’expressions authentiques, différentes et créatives, relatives aux talents de personnalités individuelles issues de pays différents et de culture différentes qui ont leur origine à notre époque actuelle et qui sont entrain de se développer dans une relation de simultanéité, rendant ainsi possible les chocs, les échanges, les recherches communes et les inter influences dans ce domaine.

 

Enjeu géopolitique de la culture et perspectives

Toute idée qui vit en dehors de cette universalité supposée par l’art contemporain, risque-t-elle d’être considérée comme  une sorte de tiers monde culturel ?

Le caractère monopoliste de l’art contemporain risque-t-il alors de mettre en péril la diversité artistique planétaire et les identités nationales? Y a-t-il là, une revendication légitime, voire un combat politique pour la défense de la diversité artistique et culturelle, et la survie des pays?

Face à cet enjeu géopolitique de la Culture, quelles solutions pouvons- nous envisager ?

Conscient de la menace de l’uniformisation, culturelle et marchande, l’Unesco, dans sa Déclaration universelle de l’automne2001, aprôné  les valeurs de l’exception culturelle et a appelé à une vision humaniste des rapports entre l'économie et la création, ainsi elle a procuré à ses Etats membres l’assistance juridique et technique pour la formulation de politique nationale et de stratégie de développement des industries culturelles pour le respect du pluralisme.

 

La question qui s’impose alors à chaque état aujourd’hui est la suivante : comment pouvoir contrer une hégémonie artistique et une culture globale, et parvenir à contribuer à la construction d’une mosaïque artistique et culturelle internationale?

La réussite dans un tel projet dépend de deux facteurs :

Primo, de la capacité de chaque pays à formuler des politiques nationales et des stratégies de développement culturels, susceptibles de participer à la promotion du statut de l’artiste, d’une part en tant que profession faisant partie de la sphère culturelle, d’autre part en tant qu’acteur économique.

Secondo, de la dynamique de sa diplomatie. La diplomatie la plus réussie face à cet enjeu géopolitique de la Culture n’est-elle pas alors celle qui parvient à promouvoir le plus son art et sa culture et d’établir le plus d’échange et de coopération? Un tel échange fondé sur la tolérance, la fraternité et la reconnaissance mutuelle, est susceptible d’assurer  la promotion active et nécessaire d’un dialogue universel entre les artistes du monde, et par-là entre les différentes cultures de notre planète.

 

         Monsieur  Paolo Perrelli, vos propos sont indiscutablement discriminatoires et exclusives : permettre à l’œuvre tunisienne d’occuper l’espace qu’elle mérite à l’échelle nationale et internationale, c’est lui permettre nécessairement de contribuer avec ses différences qui ne peuvent être que conséquence de son histoire propre. Il n’y a « œuvre » que sincère et fruit d’une construction personnelle et spécifique dans le temps. Mais jamais il y a un art supérieur à un autre. Kandinsky, artiste moderne et grand défenseur de la spiritualité dans l’art, vertu qui est perdue dans les méandres de l’art contemporain, à écrit tout au début du 20ème siècle : « On est amené de la sorte à constater que chaque art possède ses forces propres. Aucune de celles d’un autre art ne peut s’y substituer. Ainsi aboutira-t-on enfin à l’union des forces de tous les arts » (Du spirituel dans l’art. Ed Médiations. P.78)

 

 

Sami Ben Ameur

Artiste plasticien

Professeur d’enseignement supérieur

 


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Les problèmes de l’appréciation de l’œuvre d’art.

Sami Ben Ameur

 

Apprécier une œuvre d’art, c’est y porter un jugement, c’est déterminer sa valeur, c’est être favorable ou défavorable à celle-ci. Ainsi se définit l’objet d’étude de la critique d’art. Celle-ci n’est – elle  pas appelée à faire connaître l’œuvre mais à la fois à l’apprécier d’une manière ou d’une autre ?

Depuis Diderot, le discours critique dans le champ des arts plastiques n’a cessé de se modifier, de s’inventer mais aussi d’être remis en cause. Ceci émane-t-il fondamentalement du caractère singulier, mouvant et insaisissable de l’art qui échappe à toute entreprise de classification?

En effet, toute appréciation gratifiant la règle et relevant d’une définition de l’art qui se veut absolu se heurte à la diversité innombrable des œuvres d’art.

   Il en est de même si nous valorisant la liberté de l’art et nous choisissons comme point de départ le principe de la diversité des œuvres ; un nouveau problème surgit : qu’est ce qui nous permet de considérer telle ou telle œuvre  comme  œuvre d’art si nous ne disposons pas de repères conceptuels nous permettant de la considérer comme telle? N’importe quoi, risque-t-il d’être pris dans ce cas pour une œuvre d’art ?

Sommes- nous placés alors dans un cercle vicieux ?

 Voici les origines des problèmes de l’appréciation de l’œuvre. Voici les causes des difficultés de la critique d’art. Voici ce qui rend le critique d’art dans une position inconfortable.

Nous entreprenons dans cette étude une analyse visant à mieux clarifier ces problèmes et ces difficultés, afin de tenter d’apporter une solution possible. Nous nous baserons sur diverses théories qui ont marqué l’histoire de la critique d’art dans le passé et le présent.

 

Le goût et  la norme.

 

 Une des questions qui reste attacher aux phénomènes de l’appréciation de l’œuvre d’art est le jugement de goût. On disait souvent même que ce jugement de goût constitue le fait esthétique de base.

Etant apparu à l’époque de la renaissance et consolidé au cours de la période de l’art classique, le terme jugement de goût, était intimement lié au principe de la règle. Il demeure de la sorte aujourd’hui.

Se déclarant porteur d’une discipline rationnelle mise au service d’un idéal antique de la beauté, l’artiste classique s’est constitué un critère strict et déterminé pour le choix des formes peintes, sculptées ou bâties, devenu  fondement de ce qui a été convenu d’appeler «le bon goût classiqu », et référence rigoureusement codifiée pour l’appréciation de toute œuvre d’art.

Ainsi les Académies des Beaux-Arts crées durant le XVII et le XVIII siècle, en France, aussi les écoles des Beaux-Arts à partir de l’année 1816, obéissaient toutes à un enseignement de l’art fondé sur ces préceptes bien définis, auxquels l’artiste doit obéir.

Ce bon goût classique, n’a-t-il pas été une entrave pour les tendances artistiques qui ont aspiré à l’innovation ?

C’est ainsi qu’au nom du bon goût classique, on a condamné Shakespeare au 18ème siècle parce qu’il mélangeait le tragique et le comique et utilisait des expressions grossières. Même cas pour le Romantisme qui a rompu avec le «bon goût » de la tradition classique. En passant devant les toiles de Delacroix, Ingres se cachait les yeux et disait «je n’ai pas besoin de savoir comment il ne faut pas faire ». La galerie des refusés réservée au 19ème siècle aux Impressionnistes français n’était que le symptôme de cette domination qu’exerçait encore «le bon goût classique » dirigé vers un académisme hostile à toute innovation.

 

Et pour emprunter des exemples d’aujourd’hui, nous nous référons à l’autorité du goût qu’exercent actuellement  les institutions influentes de New York, -foires, galeries, vente aux enchère - sur l’ensemble de l’art international contemporain.

L’appellation peut tolérante de « l’art contemporain » désignant d’une manière exclusive les oeuvres conceptuelles et minimalistes telles qu’elles ont été développées par les avants gardes, en occident et essentiellement aux Etat Unis durant les années 60 et 70, n’est-elle pas une forme de globalisation de l’art ? Toutes expression artistique vivant en dehors de cette conception artistique à caractère monopoliste, n’est elles pas alors supposés désuètes, révolu, voire peu intéressante, ou une sorte de tiers monde culturel ?

 

Il en est de même pour l’art en Tunisie. L’appréciation exclusivement favorable à une peinture de représentation figurative mêlée de folklore et de narration, devenue presque le goût collectif du tunisien, est lié à un état de l’histoire des arts plastiques dans ce pays. Depuis son apparition au début de ce siècle et pendant quelques décennies, la peinture tunisienne était fondamentalement ainsi. Nourrie par quelques artistes, galeristes et journalistes, cette forme de peinture est devenue presque l’apanage d’un bon goût seul légitime, qui a tendance à valoriser ce qui est soumis à son autorité et dévaloriser le reste.

C’est ainsi que plusieurs personnes, journalistes ou artistes, en déclarant leur entière adhésion à ce genre de peinture n’hésitent pas à condamner les autres expressions actuelles. On connaît le sort des galeries, Irtissem, Ettasouir et  Chiyem.

 

Apprécier l’œuvre d’art selon un goût particulier relevant de certaines préférences d’une époque, d’un groupe social ou d’une tendance de certaines personnes,  revient finalement à s’enfermer dans un répertoire de préjugés  devenant règles et lois qui font de l’œuvre d’art, une œuvre à caractère prévisible et préétabli. C’est se situer à coté du contenu substantiel de l’œuvre et  par opposition à l’essence même de l’œuvre d’art et à sa pluralité. L’immédiateté du jugement du goût anticipe l’appréciation et empêche l’expérience esthétique profonde.

 

 

Le jugement de goût et le principe de la beauté objective.

 

Par ailleurs, pouvons nous -nous demander dans ce contexte aussi, sur la théorie de Kant, fondée principalement sur la nécessité du  jugement de goût et le principe de la beauté objective. " Est beau ce qui plaît universellement sans concept " [1] écrit Kant dans (Critique de Faculté de Juger). Pour lui, une oeuvre est belle, lorsque tout homme est dans l'obligation de reconnaître qu'elle est belle, non pas en vertu d'un critère du beau en fonction duquel on jugerait l'œuvre mais en vertu de l'effet produit par l'œuvre sur notre sensibilité et notre entendement. Pour Kant l’art est une finalité sans fin, et son impact sur nous est essentiellement affectif. Ceci justifie le jugement de goût qui est selon lui « n'est donc pas un jugement de connaissance ; par conséquent il n'est pas logique, mais esthétique ; esthétique signifie : ce dont le principe déterminant ne peut être que subjectif."

Certes la subjectivité est une composante importante de l’œuvre et de son jugement. Mais un originaire  d’une tribu d’Afrique centrale peut-il éprouver la même fascination qu’éprouve l’occidental face à l’œuvre de la Joconde? Certes, il y a une prédisposition culturelle qui précède toute reconnaissance du beau. Les sociologues comme Bourdieu (cf. La distinction) nous disent que notre rapport à l'art est déterminé par nos conditions sociales. Les conditions sociales détermineraient notre attente à l'égard de l'art. Le beau qui plait universellement est une chimère.

 

L’œuvre d’art cette chose tangible qui existe objectivement, que nous recevons par le biais de nos sens et qui est le résultat complexe d’une activité singulière, productrice et mentale à la fois, ne cessant de changer dans l’espace et le temps, sollicite simultanément notre esprit, nos sens et notre attention. Son jugement n’est-il pas alors affaire grave exigeant grande responsabilité, réflexion, pertinence et relativité?

 Pluralité et relativisme esthétique

 

Ainsi, une appréciation sérieuse de l’œuvre exige- t-elle indiscutablement une focalisation sur son caractère relatif et singulier ? Ne varie -t-elle pas d’une personne à une autre, d’une culture à une autre culture ? d’une époque à une autre époque ? N’est –elle pas source de nouvelles valeurs et fondatrice de nouveaux goûts ?

 

En effet, Hegel a bien rejeté d’emblée le jugement de goût. Ce-ci ne représente qu’une approche étrangère à l’art : « les grands caractères, les grandes passions peints par le poète sont suspectes au goût, son amour de la petite brocante, n’y trouve aucun intérêt. Le goût recule et disparaît devant le génie ».

Quant à   Valéry, il nous  précise que le goût de l’artiste et du génie «est fait de mille dégoûts », ainsi il l’a substitué au goût conventionnel. « L’œuvre du génie est toujours déconcertante. »

Une définition restrictive du concept de l’art est alors impossible.

Pour E. H. Gombrich «l'Art n'a pas d'existence propre», il ajoute l'Art avec un grand A, n'existe pas»[2].

 

A cause de cette vision relativiste du goût acceptée comme question fondamentale dans l’esthétique moderne et contemporaine, nous comprenons désormais par exemple, le débat de nos jours sur la légitimité même de la catégorie du beau. Le relativisme esthétique a bien montré que ce qui est beau pour une personne ne l’est pas pour une autre. Ainsi, la définition de l’esthétique comme «science ayant pour objet le jugement d’appréciation en tant qu’il s’applique à la distinction du Beau et du laid » est spéculative, ainsi elle devient désuète.[3]

Nous comprenons dans ce contexte, les tentatives de quelques manifestations artistiques internationales organisées en Europe et aux EU, durant les quelques années passées, s’intéressant à l’art des continents différents, et focalisant sur l’idée de l’abolition des frontières dans le monde de l’art.

 

Approches critiques contemporaines

Si l’artiste est libre de toute contrainte et de toute norme, si l’art ne peut se réduire à aucune définition, quelle méthodologie pouvons-nous alors entreprendre dans l’opération de l’appréciation de l’œuvre d’art?

 

  • Contre l’appréciation de l’oeuvre

 

Pour répondre à cette question, nous nous référons au départ à Nelson Goodman ensuite à Rochiltz  (Les deux sont des philosophes contemporains.)

 

Goodman, chez qui le principe du pluralisme de l’art constitue le fondement de sa philosophie.[4] ,  remarque qu’une vérité ne peut alors exister. De toutes nos versions du monde, aucune n’est exclusive. Par ailleurs elle participe à la fabrication du monde. Même le scientifique se trompe quand il suppose qu’il est un esprit uniquement voué à la recherche de la vérité.

 

Ainsi partant du principe de pluralité et de relativisme, Goodman ouvre la voie à une philosophie du possible, voire des mondes possibles.

Dans le chapitre de Fact, Fiction and Forecast consacré au possible, Goodman observe:

« L'objectif principal de mon propos a été de démontrer que le discours, même lorsqu'il traite des entités possibles, n'a nul besoin de transgresser les frontières du monde réel. Ce que nous confondons avec le monde réel n'est qu'une description particulière de celui-ci. Et ce que nous prenons pour des mondes possibles ne sont que des descriptions également vraies, énoncées en d'autres termes. Nous en venons à penser le monde réel comme l'un des mondes possibles. Nous devons renverser notre vision du monde, car tous les mondes possibles font partie du monde réel »[5]

 

Ainsi Goodman appelle à une révision des concepts clefs de la philosophie. il  préfère la correction à la vérité, la compréhension à la connaissance, l'adoption à la croyance,  .

De ce fait, il exclue de son champ d’investigation toute perspective d’évaluation de l’œuvre d’art et soutient un discours sur l’œuvre dont nous sommes appelés plutôt à la comprendre et connaître.

 

Il écrit : « Tout comme la correction est de plus large portée que la certitude, la compréhension est d'une plus grande portée que la connaissance[6]

Il ajoute : «On voit, que connaître et comprendre s'étendent au-delà de l'acquisition de croyances vraies et vont jusqu'à découvrir et inventer des ajustements de toutes sortes.»[7]

 

Certes, l’œuvre de Nelson Goodman a contribué à focaliser sur le principe de la diversité artistique, et du monde du possible, néanmoins, elle continue à susciter des questionnements :

La critique d’art doit elle se contenter de la juste description et compréhension de l’œuvre d’art?  L’appréciation et la détermination de la valeur de celle-ci est-elle ainsi une opération inutile voire impossible ? Ceci risque-t-il alors de créer l’amalgame entre ce qui est une œuvre d’art et ce qui ne l’est pas ?

 

  • Critique d’art et argumentation rationnelle

S’opposant à l’esthétique goodmanienne, qui refuse toute perspective d’appréciation de l’œuvre d’art, Rochlitz, soutient que la philosophie de l’art ne peut carrément se désintéresser de la critique et par conséquent des critères du jugement et il propose un discours critique obéissant aux règles d'une argumentation"[8]

Pour  Rochiltz, chaque œuvre se constitue à partir de règles qui ne valent que pour elle. De ce fait il propose une critique d’art comme   moyen de réflexion aposteriori, intervenant après la création. Ainsi elle  n’est tenue de suivre aucune méthode déterminée : «La bonne méthode, la bonne lecture, dit-il, sont celles qui aboutissent à l’interprétation la plus convaincante, au jugement qui paraît le plus pertinent».

Pour  Rochiltz : "Une oeuvre d'art dont la qualité esthétique ne peut être justifiée par aucune « raison » n'en est pas une."[9]

Cela implique que la critique est une activité esthétique tendue vers une argumentation rationnelle. Elle ne se réduit pas à un jugement de goût subjectif dispensé d’argumentation. Il existe des «raisons» qui font la valeur d’une œuvre, et c’est la fonction du critique de les saisir.

Les oeuvres ne sont plus alors jugées au nom d'un goût préétabli et d'une conformité aux règles, mais plutôt au nom d'un jugement réfléchi liés aux critères ou plutôt aux paramètres qu'elles instaurent elles-mêmes.

Et Rochlitz nous propose trois paramètres essentiels, selon lesquels on pourrait juger les œuvres. ( Il précise aussi que d'autres peuvent encore intervenir) :

  • l'efficacité de l'oeuvre avec laquelle elle met en évidence ce qui lui importe de faire apparaître, ce qui lui semble digne d'intérêt ;
  •  l'enjeu dont elle témoigne, "qui justifie l'effort entrepris" ;
  •  la qualité exploratoire, c'est-à-dire la nouveauté, l'originalité, l'apport qui est le sien au champ de l'art. [10]

L’avantage de l’œuvre de Rochlitz, c’est d’avoir permis une ouverture nécessaire à l’autre, non à travers un sentiment personnel subjectif , mais l’argument étayant sur des paramètres évaluables. Nous ne pouvons pas par exemple, évaluer une œuvre conceptuelle en nous référant aux principes formels de l’ art moderne, non plus l’œuvre « Guernica » de Picasso en nous basons sur les données de la perspective et d’anatomie telles qu’elles a été utilisées dans la peinture  académique.

Mais la  question qui s’impose à cet égard :

N’est-il pas  vain de vouloir fonder une appréciation sur des critères exclusivement objectifs. L’œuvre d’art ne se fonde - t-elle pas aussi  sur l’inprogrammable, l’aléatoire, l’imprévu. Ne prenne - t-elle pas en compte la multiplicité des personnalités et l’émotion individuelle, ce qui implique une communication par sympathie, et une connivence par communion ?

Conclusion

Certes, l’appréciation de l’œuvre est un exercice difficile à cause de la diversité et le caractère insaisissable de l’œuvre.

Mais de tous ce que nous avons présenté comme approches, se dégage de leur ensemble de nombreux points intéressants.

Ainsi, le critique d’art est-il appelé à être :

  1. Un homme de goût non pas qu’il se réfère à ses préférences  individuelles, mais parce qu’il est doté d’une finesse du jugement lui permettant de reconnaître l’intérêt d’une œuvre d’art même si elle fait scandale. On ne peut alors occulter l'importance de la subjectivité comme composante fondamentale de l'appréciation esthétique.
  2. Tolérant, comme le revendique Goodman. Ainsi au lieu de condamner, il essaye de comprendre  et de découvrir. Ceci est susceptible de nous ouvrir sur l’art dans toute sa diversité de dans l’espace et le temps. Il y a bien des arts de différentes personnalités, de différentes cultures et époques.
  3. Rationnel, en émettant un jugement réfléchi comme le revendique Rochlitz , liés aux critères ou plutôt aux paramètres que l’oeuvre instaurent elle-même. L'analyse, nous fait remonter à l’origine des choses ?

Mais si l’art est toujours en devenir, la critique d’art l’est aussi.

 

Sami Ben Ameur  

LA PRESSE 1997

[1] Kant, Emmanuel
 Critique de la faculté de juger, Paris, Librairie Philosophique J. Vrin, coll. Bibliothèque des textes philosophiques 1993

 

[2] Ernst Gombrich, Histoire de l'art, trad. franç., J. Combe et C. Loriol, Flammarion, Paris, 1982, p. 3

[3] Le beau en tant que catégorie esthétique s’opposant au laid, n’est plus la seule visée dans l’art du 20ème siècle. D’autres catégories esthétiques peuvent bien intéresser l’art, exemple le tragique, le pathétique, le gracier, le laid…et d’autres catégories possibles que nous ne connaissions pas encore mais qui s’actualiseront grâce à la richesse de nos représentations et l’étendu de notre imagination. A cet égard peut-on se rappeler des tendances artistiques, telles Dada ou l’art conceptuel et minimaliste, qui se sont détachés de la traditionnelle forme plastique, pour se livrer à un art  relevant plutôt de l’attitudes et de l’idée.

 

[4]. Cf. Gombrich, L'art et l'illusion, op. cit., «Introduction».

[5] Fact, Fiction and Forecasts, cit., trad. franç., chap. «Le trépas du possible», p. 74.

 

[6] N. Goodman et C. Elgin, Reconceptions, cit., p. 161

[7]N. Goodman. Ways of Worldmaking, cit., p. 173.

[8] Rochlitz. L'art au banc d'essai. Esthétique et critique, Paris, Gallimard, coll. NRF Essais., 1998 : 152).

 

[9] Rochlitz Dans le flou artistique. Elements d'une théorie de la «rationalité esthétique» in Bouchindhomme et Rochlitz (éds.), 1992 : 206

[10] Rochlitz . L'art au banc d'essai. Esthétique et critique, Paris, Gallimard, coll. NRF Essais1998. p. 212

 


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Exposition de Habib Bouabana Univers de tensions

Galerie Chiyem

La presse. Mars 1989

Dans l'activité picturale, l'esprit et le corps se livrent sans contrainte. C'est une symphonie silencieuse où les idées, la perception, l'attention, le rêve, l'imagination, la conscience, l'émotion etc. , sont traduits par le cerveau en mouvement de nerfs et de muscles. Agissant sur un matériau quelconque, ce mouvement déclenche le processus créatif. Désormais, il y a jaillissement, explosion, surgissement, naissance. L'esprit et la matière s'embrassent, font la fusion pour enfanter le nouveau-né: l’œuvre picturale.

Dans son exposition qui tient lieu à la galerie Chiyem, H. Bouabana nous invite à prendre contact avec son oeuvre picturale.

Une première lecture de celle-ci nous révèle un univers de tensions, une expressivité dotée d'un langage surchargé d'une prolifération infinie, forme à partir d'une déformation, figure qui participent de l'irrationnel, c'est le pathos, l'emphase, un climat morbide, une atmosphère d'angoisse et d'inquiétude.

L'objet dans la peinture de H.B. est déformé, sombré dans une atmosphère particulière.

Un préalable dans l'esprit du peintre surgit : l'objet doit perdre son identité propre. Désormais, il est détruit déformé, distordu, bref dépassé. Il y a figure et dépassement de la figure vers un autre ordre de représentation. L'objet perd ce droit d'être lui-même. Il s'agit d'une métaphysique des apparences. Au lieu de décrire, Bouabana évoque, au lieu de représenter, il transpose dans un langage allusif, elliptique, doté souvent d'une force intérieure.

Le dessin et la couleur ne sont pas dissociés. La géométrisation de la touche prépare à l’œuvre son destin : elle crée la forme. Il s'agit d'une volonté de synthèse de la forme et de la couleur.

Les grandes surfaces de couleur homogène qui caractérisent toutes ses oeuvres possèdent une valeur plus suggestive que descriptive. Ces couleurs sont violentes avec prédominance de jaune, de vert et de rouge. Mais aucune n'est utilisée à l'état pur. Les teintes se simplifient, se géométrisent et s'épurent. L'objet disparaît dans des couleurs dépouillées de toute lourdeur matérielle. Absence de clair-obscur, absence d'ombre portée, absence de perspective atmosphérique, tous les plans du tableau sont traités de la même manière, absence de source de lumière : la lumière émane des couleurs elles-mêmes.

Les surfaces peintes sont cloisonnées. Les couleurs sont disposées en aplat et cernées souvent par des contours expressifs, rehaussées parfois par des petites touches. Le peintre pose de larges aplats, celle-ci éclate avec intensité aussi bien dans ses paysages que dans ses portraits. La perspective, le modelé, les dégradés disparaissent d'où aplatissement des volumes.

A travers toutes ces données matérielles de l’œuvre. Il s'établit un dialogue supérieur avec l'objet, le dialogue de l'esprit et des choses.                  

Bouabana part d'une idée et dépasse le modèle, il fait sa propre peinture en s'écoutant soi-même. Un travail d'élaboration intellectuelle et d'effusion sentimentale. L'univers pictural de notre peintre est le domaine de ses fantasmes personnels. C'est une expression de sa vie intérieure. Il est trop présent dans chacune de ses oeuvres. Lorsqu'il amplifie tel membre des corps de ses femmes et en rétrécit tel autre, il veut faire ressortir ce qu'il lui importe d'exprimer.

L'objet extérieur et peu intéressant, le plus important, c'est la manière de mettre en oeuvre cet objet à travers une vision poétique d'essence picturale. Les têtes de ses maîtresses se réduisent à des figures apocalyptiques, monstrueuses.

Elles ne sont en fait que le reflet de ce qu'il sert, le produit de ses impatiences de ses déceptions et peut-être de son dégoût.

L'irrationnel est désormais à la base de l’œuvre de Bouabana, celle-ci est aussi un monde organique et fantasmatique imbibé de ses délires élémentaires.

Malgré qu'il refuse de s'intégrer à un quelconque mouvement contemporain H.B. est obligé d'accepter l'influence du groupe "Brück" allemand et des "Fauves". Il élabore un langage expressif à l'image de l'expressionnisme allemand et français en usant de leur technique spécifique : technique des aplats, cerne expressif, étirement stylisé des figures, les aplats rehaussée par des touches, etc..

Bouabana pensera-t-il dépasser cet héritage ? L'expressionnisme qui est un courant artistique universel et intemporel, retraçant une attitude de l'homme vis-à-vis du monde extérieur, est contre l'asservissement de l'esprit, l'encloisonnement, rétablit l'individu dans son pouvoir créateur, et lui prépare un champ d'investigation large.

Cependant Bouabana dispose de son atout. Sa peinture ne manque ni talent, ni force.


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L’AVENTURE DE FAKHFAKH.

 

 Galerie CHIYEM

LE 2-6-89. Le Renouveau

Sami Ben Ameur

 Le peintre, c’est celui qui fait des choses, dit-on de nos jours, c’est celui qui expérimente un matériau,  tente sa chance et entre dans le monde de l’aventure. Une aventure qui n’a de sens que dans ce qu’elle cache, que dans ce qu’elle comporte de virtualité et de possibles imprévisibles.

Ce que nous propose R. Fakhfakh dans son exposition du 15 février dernier à la galerie Chiyem, est une aventure avec ses matériaux, ses outils et avec soi-même, une aventure mobile, féconde qui sollicite la richesse de notre attention et l’étendu de notre imaginaire.

En faisant créer des couleurs vives et bigarrer, maçonnées en touches et taches et traversées par une trace de gros traits de pinceau malhabile, les œuvres de R.Fackhfakh ont pris leur chemin vers l’expression de quelque chose qui participe de l’innommable, sollicite l’imagination et la pousse à vouloir donner corps à ce qui est inachevé, à prolonger les trajectoires interrompues.

Ça ressemble à quelque chose ? non, ça ne ressemble à rien du tout.

Le souci de l’artiste n’est pas la représentation. Son problème est autre.

R.F. et son œuvre ne peuvent faire qu’un seul. Elle est partie de soi-même. Elle illustre son corps, ses gestes, le contact de sa main avec le pinceau et la matière.

Sa main se livre à une action spontanée, trace, marque des gribouillis, entre en contact avec une matière, opère la surface du subjectile, enfante un poème.

La main, c’est le geste. Le geste est un besoin fondamental de la vie, il englobe l’infini et le fini, l’absolu et le possible. La fusion de la main et du geste suscite l’improvisation dans l’espace. Elle provoque la recherche de l’organique, du spontané, du fluide, de la dynamique, du mobile.

R.F. donne la parole libre et franche à ses matériaux, d’où l’éclat es couleurs des encres qui font souvent contraste avec les zones opaques et sombres peintes en gouache ou en acrylique. Le pastel à l’huile incompatible avec la couleur à eau s’insurge et donne un effet assez riche laissant apparaître une variété de métamorphoses.

Mais devant une ligne qui se trace, devant une tache qui se démarque, devant un chaos informel, RF s’exalte. Cela suscite son imagination.

Le rapport qu’entretient FF avec le matériau est assimilable à la maïeutique de Socrate. L’artiste accouche les matériaux des effets qu’ils contiennent. La qualité spirituelle et plastique de son œuvre est la conséquence de ce rapport dialectique qui l’entame avec l’œuvre.

L’accident s’oppose et s’impose. C’est ainsi qu’il revendique son droit de vivre. Il est signe de fertilité. En peignant, il se laisse guider par les exigences de la matière et du geste. Il devient son propre spectateur.

L’œuvre qu’il nous véhicule est une révélation de substance.

Les abondances de la couleur, le chaos qu’ils peuvent provoquer ainsi que la libération du geste semble constituer pour lui des moyens susceptibles d’atteindre l’inconscient et par-là de matérialiser en une forme picturale un état psychologique qui échappe au contrôle.

Le tracé libre, la spontanéité du geste favorisent une détente susceptible de provoquer l’affectivité inconsciente du peintre.

La main parle à l’aventure, mais au fur et mesure, la vision inconsciente commente ce qui se produit. Il s ‘établit entre la main et l’inconscient du peintre un rapport de va et vient.

A cet égard, encore, faut-il se rappeler les surréalistes qui ont mis au point un certain nombre de techniques, à savoir la libération du geste (automatisme) afin de favoriser l’irruption dans le cours de la vie psychique et d’exprimer le fonctionnement réel de la pensée en l’absence de tout contrôle de la raison et de tout à priori culturel et idéologique.

Dans ses œuvres, R.F. extériorise es forces psychiques cachées, témoignant parfois d’une nervosité atroce et dans d’autres cas d’un calme absolu à travers des tracés magiques traduisant le comportement involontaire de son corps.

Le corps du peintre transpose sur la toile des lignes, des mouvements investis d’images intérieures que l’esprit de l’artiste incorpore à sa manière, d’où cette rigueur de composition et d’organisation qui caractérise toutes ses œuvres.

Il s’établit comme une sorte de rêverie éveillée, mais une rêverie pas comme les autres, celles que nous vivions habituellement est encore plus riche et ceci à cause de cette action expressive et fertile qui lie l’esprit et le corps.

R.F. a pu contrôler sa spontanéité, mais il ne saurait la contrôler s’il ne lui a pas permis de s’exprimer.

Déclare-t-il la rupture avec sa démarche antérieure ?

Dans ses travaux sur le cube magique, il a cherché à travers des règles mathématiques, à instaurer l’équilibre logique et inévitable. Cette démarche participe d’une esthétique déductive qui adopte pour point de départ des hypothèses fixes, vérifiables tout au long du processus de création. Elle suppose une conclusion nécessaire, donc l’idée antérieure à l’activité.

L’œuvre que nous propose aujourd’hui R.F. est inductive, elle part des faits concrets dans l’expérience plastique, jusqu’à l’aboutissement concluant et progressif. Elle part général. Cette démarche suppose l’imprévisible, l’aventure et le risque.

Entre les eux démarches, le décalage est bien apparent. Avec sa nouvelle exposition, R.F. déclare la rupture avec sa démarche antérieure.

 

 

 

 

 

 


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Karray Expose:Du tissage traditionnel à la metamorphose plastique

SAMI BEN AMEUR

Le Renouveau

14//4/89

                 Dans son exposition qui se tient àla Galerie Chiyem, R. Karray nous propose une démarche picturale où l'expressivité subjective se meut avec un imaginaire populaire et où la forme plastique ressuscite d'un modèle traditionnel intériorisé. Karray s'inspire du tissage traditionnel (Margoum - Klim - Châle, etc..). Art populaire tunisien, qui a pu s'exprimer et s'imposer à travers des techniques simples.

A l'image des objets tissés traditionnels, les tableaux de karray sont composés de bandes disposées dans le sens longitudinal. Le tout est rempli d'un fourmillement de motifs calligraphiques et géométriques dotés d'une signification symbolique : triangle - losange - poisson chameau, personnages féminin et masculin, motif à base de palmettes, d'éléments à cinq tiges qui rappellent les Khomsas, etc.. Tout ce répertoire composé en bandes longitudinales et rarement traversables, se détachent sur des fonds constitués de grandes plages de couleurs souvent sombres.

Mais de la rigide structure trop géométrisée du tissage traditionnel, Karray façonne un espace souple et poétique à travers des techniques appropriées et une démarche plastique aventureuse.

Il connaît les vertus de ses matériaux. Le choix de son support en papier de riz (ressemblant au parchemin) n'est pas gratuit. Non plus le choix de ses encres. L'interaction des deux, procure un langage nouveau doté d'un pouvoir de suggestion à travers la fluidité des taches et l'effervescence des textures suscitées. En tant que matériau pictural le papier de riz se révèle comme une masse énergétique, puisqu'il porte en lui-même sa grammaire, les possibilités de se recréer, de se reproduire.

Karray intervient en tant que graphiste, il s'astreint à un labeur méticuleux de miniaturiste, organise ses motifs, applique ses couleurs, le support absorbe et propage ces derniers en suscitant des effervescences picturales fécondes. Le détail se perd dans l'ensemble, le géométrique se fond dans les nuages fluides de la couleur, le graphique dans la tache. L'ensemble sort vivant.

Ces abondances picturales, ces amalgames de signes et de couleurs nous renvoient à des sensations brutes qui pénètrent en nous en premier, pour se transformer en perception significative, provoquent les instances les plus profondes en nous.

Devant un tel cheminement de l’œuvre, devant une telle métamorphose picturale, Karray se trouve dans une situation de spectateur devant ses propres travaux. Il parle, mais aussi il laisse parler ses encres et son support. Au lieu de tisser avec du coton et de la laine, il use de ses moyens plastiques. Son support se substitue à la laine et au coton, ses encres à la teinture.

Karray crée dans ses oeuvres, un nouvel espace pictural propre à lui. mais un espace, imprégné d'une dimension symbolique qui trouve sa genèse dans une Tunisie profonde.

 

 


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